出版商主导乐谱转而由唱片公司主导唱

来自播客：talich闲侃

《Episode10:摇滚革了谁的命?》

54分+讲的

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在年的美国流行音乐市场是一个由出版商主导的体系，而到了年流行音乐市场则成了一个由唱片公司主导的，简单的说就是旧体系崩溃。

年12月的时候，一个月里有八只享誉全国的大乐队相继解散，摇摆乐时代轰然结束，突然间的流行音乐的战场就被清空了，等待新的音乐人和音乐进入。

支持这些新人的呢是唱片公司和基于唱片的传播体系。这个变化的影响非常深，远远不只是新音乐取代了旧音乐，新的商业体系取代了旧的商业体系，这样的时代更迭。

音乐外在的风格变化本来就可以很快，一个新风格的流行可能就是一两年的事儿。商业体系本身呢也永远是在不断引进中的。

刚才说了流行音乐工业到大约年代末、年代初呢就把握了这种新的分散式的文化生产格局。但是更重要的也是更颠覆性变化则是声音美学上的变化，这个影响非常久远，可以说现在还在不断的深化。

在过去这几年里呢，就有新的理念在被发掘，进而改变音乐产业的运作机制。

出版商主导的体系从本质上是延续了西方古典音乐的传统。他的核心在作曲家，他所用的语言是五线谱，基本单位呢是音符，有明确的音高、时长的音符。

音乐从构思到被听众听到，经历了创作和演奏两个阶段，但是以前因为音乐本身无法被相对忠实的记录，所以只能靠口耳相传--也就是翻唱。

一个乐手的水平再高，他的音乐表演也只能让现场听过的人体验到。怕格里尼丝他跟你里斯神乎奇迹，但是现在我们接触他们的基本方式还是他们留下来的作品，当然是别人演奏。

乐谱的出现之所以是一大革命，因为它可以让音乐创作很大程度上被记录下来，被不同的人演奏，获得比较一致的现场感。

代价就是让表演落入了从属地。音乐的艺术真谛被认为是保存在乐谱里，词曲作者才是音乐的灵魂，拥有最高解释权，而艺人呢他们做的呢就是最好的诠释。

在很大程度上的古典音乐，通过这套创作和记录音乐的方法达到了极高的成就。

比如我们现在听很多古典音乐名曲，除非你是古典音乐乐迷嘛，对作品非常熟悉这样的，否则对于各种版本之间的差异是不太能感受到。只要是演奏者水平过硬，古典音乐的作曲方式保证了最终现场演出时候的音乐体验对于普通人来说有着很强的相似度。

换句话说就是古典音乐这样的作品听上去的更高深，复杂，精致，需要更长时间的训练和生活体验，才能体会到特定演绎版本的高明之处。这也就让音乐的受众相对年龄更大，更成熟。

现在美国流行音乐就是在这个以乐谱文字为基础的体系下成长起来。在出版商体系下呢，流行音乐就是流行歌曲，它的核心单位是歌曲，印在乐谱上的歌曲。

而进入唱片时代以后呢，录音成为了音乐传播的首要方式和主要方式。就算是在收音机里，我们也是听了同一首歌的同一个录音。新时代的音乐语言不再是乐谱了，而是声音本身。它的基本单位是音轨。

这个时候呢流行音乐就不再等同于流行歌曲了，而是变成了流行唱片。

这当然不仅仅是字面上的变化，在唱片时代，音乐创作的维度被大大拓宽了。创作和演奏被录音过程给整合在一起了，让新的音乐人不仅可以控制音乐的创作，也可以用前所未有的程度控制音乐的呈现。

新音乐人不用拘泥于乐谱，也必须跳出乐谱。他们可以用乐谱中不存在的声音来创作，也必须在声音世界创作。

他们寻找的不只是乐谱世界里带有个人标签的歌词和旋律，而是新的声音--属于自己的独一无二的声音、具有高度辨识性的声音。

这个声音，可以是新的乐音，比如像民谣或者blues里面那些无法被五线谱记录的乐音；也可以是新的人声、好听的人声、难听的人声、粗野的人声、稚嫩的人声；

也可以是以前没有的乐器，比如电吉他，电子和声器。

更重要的是呢这些声音都是通过录音呈现出来的，不管从你的唱机里，商场的那里，邻居的窗户里，还是开过的汽车音响里。飘进你耳朵里的都是同一个录音，同一张唱片。

在唱片时代的优秀的音乐家，首先是优秀的录音室音乐家，至少要有一位优秀的录音室制作人。因为录音室和麦克风呢是他们最重要的乐器，当然这些声音也会借助录音技术修饰、拆解、重组、涅槃重生。

如果以前的音乐创作是二维的，新的声音创作就是三维的；

如果以前作曲家写的五线谱啊，就像是在word上码字；那新时代音乐人在麦克风前录音的更像是用Photoshop作画；

如果老一代录音试图忠实记录一场精彩的现场演出，在新时代录音的就是创造出一个现实中并不存在的声音世界；

在这个新时代里呢，音乐创作过程将会被彻底地拆散、打烂、重组。这当然带来的是全新的审美，关于声音的美，这些前无古人的心的声音文化创造拥抱这一声音美学的人呢，也肯定是新的一代人，没有旧音乐审美羁绊的年轻人了。